Dès son spectaculaire épisode pilote, Lost suscite la curiosité de millions de téléspectateurs à travers le Monde, devenant en un rien de temps une série événement et un rendez-vous attendu. Pourtant, très vite, la série surprend et s’oriente dans une direction où on ne l’attendait pas. Alors qu’il aurait été facile d’alimenter des épisodes avec de simples questions de survie, Lost choisit un tout autre registre et prend le parti d’écarter ces préoccupations bien trop futiles et matérielles pour quelque chose de plus complexe, de plus passionnant aussi. C'est ainsi que, dès le premier épisode, le "monstre" fait une entrée remarquée et remarquable. Le ton est donné : Lost ne sera pas une série comme les autres. Et effectivement, jamais une histoire n’aura été aussi riche. Mais puisque le scénario est complexe, il aura fallu une saison entière pour en poser les bases.

Ainsi, la première saison aborde très peu les questions de survie en milieu hostile, pour mieux se concentrer sur la nécessité de survivre aux autres et surtout… à soi-même. Les Disparus effectuent un véritable voyage initiatique à la recherche d'eux mêmes, au cour duquel ils vont devoir affronter et surmonter leurs démons intérieurs. L'île agit comme un miroir qui les mettrait subitement face à eux-mêmes, révélant par la même leurs fêlures et le crash apparaît finalement comme une chance pour eux de trouver une certaine paix intérieure. Car chacun des personnages a sa part d'ombre, son lot de secrets plus ou moins avouables. Perdus sur une île, les personnages ont une chance de découvrir qui ils sont vraiment. Et nous aussi par la même occasion, par le biais des flash-backs. Si le procédé n'est pas nouveau, sa récurrence et l'utilisation qui en est faite sont en revanche tout à fait novateurs. Les scénaristes ont effectivement élaboré pour chacun des personnages une démonstration implacable, presque scientifique, qui tend à expliquer leurs actes sur l’île. Chacune des saisons nous renseigne un peu plus sur leurs réelles natures. La première saison aura suffit pour que nous nous attachions suffisamment aux personnages au point de vouloir connaître la suite de leurs aventures, la preuve en est avec le condensé d'émotions suscité par la scène de l'embarquement (là où tout a commencé) qui clôt brillamment la saison.

Mais ce final annonce surtout la couleur de la suite qui va reposer en grande partie sur la confrontation opposant Jack à Locke, le médecin au philosophe, la passion à la raison. Pour autant et malgré un final au suspens insoutenable, la deuxième saison s’avère décevante, puisqu’elle accuse d’une sérieuse baisse de rythme. L’ouverture de la trappe, loin d’avoir apporté les réponses attendues par les fans, suscite au contraire d’avantage d’interrogations. Les téléspectateurs les moins patients s’en arrachent les cheveux et, pour le plus grand bien de leur santé mentale tournent le dos à la série. Alors que le meilleur reste à venir...

A chaque nouvelle saison, les scénaristes font preuve de leur talent en réussissant à intégrer de nouveaux personnages sans que cela ne porte atteinte à la cohésion de la série, qui se déroule pourtant sur une île déserte coupée du reste du monde ! La troisième saison ne fait pas exception à la règle, centrée sur les Autres, elle permet à la mythologie déjà fort riche de la série de prendre à nouveau de l'épaisseur. On apprend ainsi que Ben est à l'origine du meurtre des membres originaires du projet Dharma, ce qui lui a permis de prendre le contrôle de l'île pour des raisons qui demeurent obscures. Plus violente, les personnages y sont plus que jamais torturés, parfois au sens propre d’ailleurs.

Le final de cette troisième saison reste à ce jour le plus grand coup de force des scénaristes. Comme à l’accoutumée, il annonce de quoi sera faite la suite. Laissant d'abord croire aux téléspectateurs incrédules que Jack et Kate se connaissaient avant le crash, il apparaît assez vite que quelque chose ne colle pas et nous finissons par comprendre que ce que nous prenions pour des flash-backs sont en réalité des flash-forwards. A travers son schéma narratif, ce sont les bases même de la série qui sont remises en cause, et pourtant tout semble couler de source, la série suit sa dynamique. Les scénaristes réussissent ainsi brillamment à relancer l’intérêt et prouvent par la même qu’ils maîtrisent tout de leur histoire.

Dans la quatrième saison, les révélations fusent et font l’effet de véritables bombes. Benjamin Linus et ses yeux qui font peur sont une nouvelle fois au coeur de l'intrigue mais, une fois n’est pas coutume, notre opinion à son égard évolue. C'est l'une des qualités de la série: rien n'est figé, tout évolue en permanence, à commencer par nos sentiments à l'égard des personnages qui sont particulièrement humains, c'est à dire ni foncièrement bion, ni foncièrement mauvais. En rejetant toute forme de manichéisme, Lost dépeint la vie comme une suite de choix à faire et de défis à relever.

L'intrigue, cruelle, avance inévitablement vers son issue programmée, laissant entendre que seulement six des Disparus vont quitter l’île. Pour autant, reprendre leurs vies là où ils les avaient laissées, le souvenir de ce qu'ils ont vécu sur l'île et de ce qu'ils y ont appris en plus, ne saura pas sans difficulté. Nous pouvons alors enfin comprendre la dernière scène de la saison précédente dans laquelle un Jack abattu confie à Kate qu'il veut plus que tout retourner sur l'île. La boucle est bouclée. Les téléspectateurs remettent les pièces du puzzle en place, Lost n’a jamais été aussi passionnante. Pour autant, des questions subsistent et promettent de nouveaux moments d'exaltation. Car, qui n'a jamais frissonné en entendant les fameux "tadadam... tadadam... TADADAM... TADAAAAAAAAAAAAA DAM" qui ponctuent chaque révélation ?!

En tout état de cause, avec des qualités scénaristiques et de réalisation indéniables, Lost s’affirme comme étant la série de ce début de siècle.

Ma note pour ce film:  2,5/ 4.

A une époque où nous sommes bombardés d’images chocs à tel point que nous en sommes presque blasés, Shyamalan redonne aux images une certaine valeur. Au mot « peur », mon dictionnaire donne la définition suivante: « sentiment de forte inquiétude, d’alarme en présence ou à la pensée d’un danger, d’une menace ». Dans Saw, on perd de vue ce qu'est réellement la peur, comme si on ne pouvait rien ressentir à partir du moment où le sang ne gicle pas et où les personnages ne se font pas étriper. Les images ne provoquent plus la peur mais plutôt du dégoût, car le danger, le risque est devenu certitude. On assiste ainsi à une sorte de surenchère malsaine de violence gratuite. Shyamalan fait tout l’inverse, il revient aux fondamentaux, à la peur réelle, basique, primaire même. Il avance à contre-courant. A une époque où le cynisme est de rigueur, il croit encore en l’amour. Son œuvre fait preuve d’un certain lyrisme et elle est donc parfois pathétique.

Le nouveau Shyamalan est-il réellement l’infâme navet annoncé ? Peut-être bien mais en réalité, j’ai du mal à comprendre ce que l’on reproche au réalisateur de Sixième Sens et Incassable. Là où d’autres se seraient servis du sujet pour livrer un message écolo empli de bons sentiments hypocrites, Shyamalan sait rester intègre, il prend des risques et fait une nouvelle fois le choix du respect du public. Alors qu’il aurait pu faire quelque chose de beaucoup plus facile (et rentable), il nous livre un film simple et sincère. Il réussit à chaque fois à mettre en scène avec beaucoup de sensibilité et d’intelligence des spectacles subtils: Shyamalan est un réalisateur au service de ses films. Dès lors, on ne peut qu’apprécier la sincérité de sa démarche ainsi que sa propension à nous transmettre sa passion pour des histoires qui, d’une part, ont un sens et qu’il sait d’autre part raconter à la perfection. Le Jour d’Après ou Je suis une légende relèvent d'avantage d’un jeu de séduction des spectateurs à grand renfort d’effets spéciaux et scènes apocalyptiques et pourtant Phénomènes s'avère être bien plus angoissant. D’ailleurs, l'idée de départ est ici absolument fascinante, c’est ce qu’il en fait qui l’est certainement moins. Car si dans Phénomènes la nature se rebelle et se révèle redoutable en ennemie insaisissable, l’effet recherché par le réalisateur n’est pas toujours atteint. Il est, pour le coup, assez maladroit. On le sent par exemple embarrassé par l’histoire d’amour qu’il a lui-même créée entre les deux personnages principaux et dont on a par ailleurs des difficultés à saisir l’intérêt.

Au final, la sauce ne prend pas, on ne ressent pas toujours la panique des personnages et certains des effets employés par le réalisateur finissent par tomber à l’eau. C’est sans doute qu’avec Phénomènes, Shyamalan s’éloigne de trop de ce qui fait habituellement la force de ses films. Pour commencer, le film ne comporte pas de twist final, ce qui n’est nullement gênant. Ensuite, la peur et la tension résident habituellement dans ses films moins dans des images chocs que dans des situations. Or, elle est ici beaucoup plus explicite puisque la scène du double meurtre des enfants vient contredire cette règle. La violence n'est plus seulement suggérée. Mais le plus gênant reste certainement l’existence de séquences purement explicatives alors que le réalisateur a pour habitude de procéder par sous-entendus. Il choisit sur ce point la facilité avec des scènes telles que la réunion des professeurs ou encore celle de l’émission de télévision par le biais de laquelle un scientifique tente d'expliquer le « phénomène ». Ces scènes constituent autant de coupures dans la continuité du récit et dans la tension qui devrait y régner. Une nouvelle fois, le film est trop explicite et nous mâche le travail. Pour finir, la menace est mal présentée et elle est d’autant plus difficile à saisir qu’elle semble n’obéir à aucune logique. Cette absence de règle est très déroutante même si elle ajoute dans le même temps à la tension de l’histoire en donnant l’illusion que tout peut basculer à tout moment.

Finalement, à l’image de son affiche, Phénomènes est la plupart du temps insipide. Mais il reste pourtant de très bonnes choses dans ce film bancal. On retrouve tout le génie de Shyamalan et la puissance de ses idées dans la scène du chantier par exemple qui est excellente. L’ensemble du passage se déroulant chez la vieille ermite est flippant et le dénouement est également très bon. La « maison test » est un symbole fort de l’homme contournant les lois de la nature en cherchant à s’enfermer dans un monde artificiel. Dès lors, il convient de se demander si Phénomènes est un navet avec deux bonnes idées qui se courent après ou alors un bon film qui n'échappe pas à quelques erreurs de parcours. Je choisis la deuxième option : subtil mais inégal.

Ma note pour ce film: 4 /4.

Ce film est très réussi, ce qui est finalement guère surprenant au regard du talent des différents participants. Une nouvelle fois, tout semble couler de source, tout paraît évident. La construction du film et la manière dont s’enchaînent les différents événements sont très bien pensées, on a par ailleurs de très bonnes idées de mise en scène. Le générique de début est génial et la musique de John Williams excellente. Un film envoûtant, amusant mais jamais grotesque.
 

Il est des films qui n’ont l’air de rien et qui pourtant nous emmènent loin, sans même que l’on s'en aperçoive. Arrête-moi si tu peux fait partie de ces films à la dimension quasi-spirituelle. C'est un voyage que l'on pourrait recommencer sans jamais se lasser. C’est un film magique mais sans artifice et fioriture inutile. Si tout est question de dosage, Steven Speilberg réussit ici un sans faute, il met "juste ce qu'il faut" de chaque ingrédient. Comme cela arrive parfois, les images envoûtent et il se passe quelque chose de peut-être un peu surnaturel.
Frank incarne le rêve américain qui veut que tout soit possible. Il change à volonté d’identité comme pourrait le faire un enfant jouant avec des costumes. Il s’imagine tour à tour pilote, médecin ou encore assistant du procureur. Mais Frank a atteint un moment de sa vie où il bascule vers l’age adulte et n’est plus tout à fait un enfant. Il est coincé entre l’adolescence et l’age adulte et c’est pourquoi il fait plus que de s’inventer des personnages, il les fait vivre, il est eux. C’est comme un jeu mais ça n’en est pas tout à fait un...

En tout cas, pour Karl, l'adulte agent du FBI à la vie grise et bien rangée, ça n’a rien d’un jeu. Il est intéressant de voir évoluer le lien si particulier qui se forme entre les deux personnages. Leurs rapports sont à la fois fait de provocation et de respect mutuel, de bienveillance aussi dans une certaine mesure. Et au fond, je crois que Karl aimerait être capable de faire comme l'escroc qu'il poursuit, de suivre ses envies.
La famille est la toile de fond sur laquelle se déroule l'intégralité de l'histoire. Elle en est le déclencheur en provoquant la fuite de Frank et reste par la suite le moteur de l'histoire. On en revient toujours à la famille, en particulier au travers des parcours des deux personnages et leurs vies de famille qui ont subitement volé en éclat. Ils recherchent un idéal qu’ils ne peuvent atteindre parce qu’il ne dépend pas uniquement d’eux. 

« - Je suis ton père
- Alors dis-moi d'arrêter

- Tu ne peux pas. »

Au savoir faire de Steven Spielberg vient s’ajouter le prestigieux casting qui est irréprochable. Leonardo DiCaprio, comme souvent excellent, prouve une nouvelle fois toute l'étendue de son talent en incarnant son personnage avec beaucoup de subtilité. Il réussit à lui donner un charme et une vraie humanité qui font qu'on se prend d'affection pour cet escroc. La complémentarité avec Tom Hanks est évidente et les seconds rôles sont tout aussi excellents avec Nathalie Baye et Christopher Walken.

Ma note pour ce film: 3,5 /4.

Les Fils de l'Homme est bel et bien un film d'action, mais Alfonso Cuaron réussit à ne jamais tomber dans la facilité et insuffle au film sa forte personnalité. Il s'agit également d'un film d'anticipation mais là encore, le réalisateur évite avec brio les pièges de ce genre. Au final, il nous livre un regard aussi personnel qu'inédit du futur mais qui n'en reste pas moins très crédible. Le film assume jusqu'au dénouement son ton sinistre et ce qu'il a de formidable, c'est qu'on sent qu'il ne s'agit à aucun moment de faire plaisir au spectateur mais plutôt de servir d'électrochoc.

Avec Les Fils de l'Homme, Alfonso Cuaron réussit en quelque sorte à joindre l'utile à l'agréable. Son film est avant tout un film d'aventure et il comporte logiquement son lot de scènes d'action. Pour autant, il n'est évidemment pas dénué de tout message. Au travers d'une image apocalyptique du futur, il nous fait d'abord prendre conscience du miracle de la vie et ensuite que nous ne sommes pas les maîtres du jeu, que nous ne décidons pas des règles du jeu.

Ce qui rend ce film si effrayant et ce qui fait sa force, c'est avant tout son extrême réalisme. On se sent proche de ce futur, parce qu'on a l'impression que c'est en quelque sorte l'évolution logique de ce qui existe aujourd'hui. C'est notre monde d'aujourd'hui que l'on aurait coloré en gris. Le scénario, parce qu'il s'inspire du présent et du passé pour déterminer le futur, nous montre comment nos actes d'aujourd'hui fabriquent le monde de demain. En ce sens, ça ne se limite pas à un simple film d'anticipation où on aurait des voitures volantes et des robots omniprésents: c'est un film sur le présent, le passé, le futur. On ressent bien chez les personnages, un sentiment de résignation, l'impression d'avoir emballé la machine et de ne plus pouvoir l'arrêter, d'en avoir perdu le contrôle.

 « C'est incroyable ce que peut devenir le monde sans les voix des enfants. »

L'histoire semble n'avoir souffert d'aucune concession pour plaire au public, elle est violente et brutale. Elle ne ménage pas le spectateur, pas plus que ses personnages. On se sent immédiatement proche du personnage principal interprété par Clive Owen qui est un parfait anti-héros ne ressemblant en rien à ce qu'on a l'habitude de voir. C'est simplement une personne ordinaire entraînée presque par hasard dans une mission qui le dépasse. On se sent proche de lui également parce que la réalisation fait tout pour ça, on participe activement à cette chasse à l'homme: on voit ce qu'il voit (de par les mouvements de caméra), on entend ce qu'il entend. La technique est d'ailleurs a plus d'un égard tout à fait innovante, les longs plans séquence donnent une certaine crédibilité aux images, un aspect de documentaire et un effet "temps réel". On peut également apprécier la pluralité de lignes de lecture dont bénéficie l'intrigue car si la chasse à l'homme occupe une place importante, l'histoire personnelle du héros n'est pas pour autant mise de côté et inscrit l'histoire dans un contexte de rédemption.

Pour terminer, voici une information qui ne manque pas d'intérêt: le film va être adapté... en série télévisée! David Eick, le producteur exécutif de Bionic Woman prépare actuellement un pilote pour la chaîne Sci-Fi. La série, à laquelle aucun des acteurs du film ne participera, reste donc à l'heure qu'il est un projet. L'histoire devrait cependant être plus proche du roman original de P.D. James que ne l'est le film. Source: ICI (scifi.com)

Ma note pour ce film: 1 /4.

Un produit lisse et consensuel. Une histoire sans saveur et vidée de toute émotion. Je suis friand de bons blockbusters comme peuvent l'être un The Island ou même à la limite Je suis une légende (imparfait mais néanmoins divertissant) mais j'ai trouvé ce film particulièrement inutile, il représente pour moi tout ce qu'il peut y avoir de mauvais dans un blockbuster.

D'abord, j’ai tendance à penser que ce genre de film formaté nuit à l’imagination du spectateur tellement tout y est plat et convenu. C’est bien simple, dès les premières images, on peut s’imaginer chaque scène et on s'aperçoit à mesure que l’intrigue se développe que tout se déroule effectivement comme prévu. Tout y est, de la bataille finale en passant par le moment où "le gentil fait croire aux méchants qu’il est dans leur camp mais qui en fin de compte (qu’on se rassure) est bien gentil" (c’est vrai qu’on ne s'y attend pas du tout). Bien entendu, à la fin, tout le monde se fait des bisous et moi, j'ai l’impression d’avoir perdu notre temps.

Bien sûr, on peut toujours regarder les images et attendre que les choses se passent. Mais là encore, le film n'est pas entièrement satisfaisant, la faute à des images qui ne sont pas belles. Même les effets spéciaux ne sont pas à la hauteur, notamment s'agissant de la conception des robots. Si leur façon de bouger est plutôt fascinante, il n’en est pas de même pour leur design et surtout leurs yeux qui sont totalement ratés alors qu’il s’agissait précisément de l'élément à soigner pour leur donner une apparence humaine qui les aurait rendu inquiétants (c’était la partie technique de cet article!). Pourtant, il semble bien difficile de déterminer qui des robots ou des hommes sont le plus humain tellement ces derniers sont froids et interagissent d’une manière mécanique. Will Smith et ses muscles font acte de présence, quant à sa coéquipière, je crois que si elle voulait être encore plus transparente, il faudrait qu’elle soit invisible.

En fait, ce film donne l'impression d'être inachevé, il semble encore au stade du simple projet. On en voit encore les traces de fabrication, les intentions du réalisateur sont perceptibles. On sent bien par exemple qu’il a tenu à intégrer à son film une scène d’émotion (la scène du sauvetage), ce qui aurait pu être une bonne idée... si ladite scène avait été réussie. En réalité, elle prête à sourire tellement elle paraît absurde et s’intègre mal au reste. Cette scène n’a d’autre fonction que d’être « le moment d’émotion » et c’est bien ça le problème. Le film en entier donne cette impression d’être fragmenté en de multiples scènes qui gardent toutes une étiquette visible à l'écran. C’est un peu comme si on nous annonçait "attention voici venir la scène d’émotion (c’est le moment où en principe vous devez verser une petite larme)". Bref, c’est tellement peu subtil et caricatural qu’on voit les ficelles qui font que le tour de magie peut fonctionner. Et il n’y a rien de pire que de voir les ficelles qui font que le tour de magie peut fonctionner! Il n'y a rien de pire que de découvrir qu’il y a bel et bien un « truc ». Dès lors, la magie ne peut pas opérer.

Alex Proyas  s'attelle donc à la grande cuisine de la réalisation d'une manière maladroite. Il a pourtant tous les bons ingrédients, mais on a beau avoir tous les ingrédients ça n’est pour autant, qu’au final le résultat est convaincant. Il y a la manière d’associer le tout et de présenter les choses, ce qui suppose un certain talent. Le réalisateur se contente ici de poser ses différents matériaux les uns à côté des autres et au final, il ne nous livre pas un film mais un moment d’émotion raté suivi d’une scène d’action associée à quatre blagues ridicules.